L’idea di una mostra della quale il pubblico non sia spettatore esterno, bensì attore profondamente implicato nel percorso espositivo, è al centro del progetto Re-Azione che l’artista romano Andrea Martinucci porta negli spazi di Fabbrica Borroni dal 13 settembre al 4 ottobre 2012 e successivamente negli spazi istituzionali della Biblioteca di San Cesareo, vicino Roma dal 19 ottobre 2012.
Il progetto nasce dalla volontà di Andrea di restituire all’arte il suo carattere sociale e proporre, di conseguenza, l’Arte stessa come “luogo” di condivisione e prende avvio dai fatti accaduti durante le proteste in Egitto nella primavera 2011, che hanno visto l’arresto di diciassette giovani donne perché trovate, dopo aver preso parte a una manifestazione, in un accampamento insieme a manifestanti di sesso maschile. Condotte in carcere le donne sono state sottoposte a insulti, violenze e abusi dagli stessi uomini della polizia, in una stanza con porte e finestre aperte sulla strada, di fronte allo sguardo indifferente dei passanti.
Il lavoro proposto da Andrea consiste in una doppia installazione, in cui le opere sono messe in contrasto sia per modalità di racconto (micro/macro) sia per il rapporto stabilito con il pubblico (azione passiva/attiva-reazione).
Il percorso espositivo della prima sala si sviluppa secondo una modalità conoscitiva che coinvolge il visitatore chiamandolo a essere il testimone della scena rappresentata. Lungo le pareti sono fissati diciassette cubi bianchi in legno, di venti centimetri di lato, al cui interno, sulla superficie posta contro la parete, sono collocati dei disegni a inchiostro, acrilico e fotografia su carta, uno diverso per ognuno dei cubi, uno per ognuna delle diciassette donne torturate e abusate. Sulla superficie esterna dei cubi, quella opposta alla parete, vi è un foro, unico punto attraverso il quale è possibile osservare la scena rappresentata all’interno: un meccanismo di visione volto ad amplificare il ruolo di testimone del visitatore, che può decidere se avvicinare l’occhio a quel foro e diventare quindi parte integrante della rappresentazione o fermarsi alla superficie del cubo e non lasciarsi coinvolgere.
La seconda sala stabilisce con il visitatore un rapporto di azione-reazione attraverso un’installazione che presenta un cubo di due metri costruito unicamente da una struttura lignea, senza superfici, illuminato da un riflettore. E’ in questo momento che il visitatore è chiamato ad assumersi la responsabilità di ciò che ha visto nella sala precedente, entrando in quella stanza vuota e senza pareti, diventando egli stesso oggetto della visione e compiendo, così, un’azione. La possibilità di uscita, dovuta proprio all’assenza delle pareti, è per il visitatore il presupposto alla sua re-azione.
La prima parte del percorso espositivo è completata da installazioni sonore che ricostruiscono artificialmente i rumori quotidiani di una città, per contestualizzare il racconto visivo all’interno della società contemporanea. Il progetto, infatti, non si limita a testimoniare ciò che è accaduto in Egitto, ma vuole essere cassa di risonanza per denunciare i soprusi che, ancora oggi, si compiono, in particolare verso le donne.
The idea of an exhibition in which the audience is not a mere spectator, but the main protagonist, the essential part of the exhibition path, is the core of Re-Azione (Re-Action), the art project which Andrea Martinucci shows at Fabbrica Borroni, from September 13th to October 4th. Afterwards the exhibition will be hosted in the institutional spaces of San Cesareo’s Library, next to Rome, from October 19th.
The exhibition project sets off from the facts happened during the spring 2011 protests in Egypt, which witnessed the arrest of seventeen young women because they were found, after the protests, in a camp together with male protesters. The women were incarcerated and they underwent insults, violence and abuses from the same policemen, in a room with doors and windows opening on the street, facing the indifference of people passing by. On display, a double installation, which recreates the condition faced in that room, invites the visitor to interact and be integrally part of the exhibition route, for to regain the relational dimension of existence.
In the first two rooms, seventeen white wooden blocks, with sides of twenty centimeters long, fixed along the walls and plunged in an everyday life context through audio-installations playing sounds from a city, treasure in their inside seventeen ink drawings, acrylic paintings and photographs on paper, a different one for every single cube, one for each of the seventeen women tortured and abused. On the outside of the blocks, the side that dialogues directly with the viewer, there is a hole, the one and only opening through which it is possible to see the inside scenes. The viewer will therefore function as a witness, exactly in the same way as the people who were passing by those rooms with open doors and windows. A function that is amplified by the particular viewing mechanism, and that makes him face a choice: getting his eye closer to the hole and becoming part of the inside scene, or stopping at the surface of the block, avoiding involvement.
In the third room the visitor enters in a two-meter cube, made up only of its skeleton lit up by a spotlight, becoming himself part of the vision, in the same way as the seventeen women in that room. In a condition of instability and insecurity, determined by the absence of walls and amplified by the kind of light, he is called upon to be held responsible of what he viewed in the former rooms and re-act to that overbearing situation. There is only one choice: staying inside the structure or, thanks to the absence of walls, get out and accomplish an action which expresses his will of re-action.
The project is not only to testify what happened in Egypt, but it wants to be a sounding board for reporting the abuses that, even today, are fulfilled, in particular to women.
Crowd-Behaviours-Patterns è una performance nello spazio pubblico della città di Cardiff commissionata da CAAPO (www.creativeassault.org) nell’ambito del progetto Moving Sculpture In The Public Realm.
Il fine della nostra azione era di affrontare il flusso compatto di persone presenti nel centro di Cardiff per costringerle a “scegliere” un lato di uno specchio con le due scritte contrapposte “HAPPINESS” (Felicità) e “SAFETY” (Sicurezza) dando, di conseguenza, più rilevanza ad una delle due idee.
Più che la scelta razionale di una delle due aree di senso ci interessava l’aspetto irrazionale e ineludibile del dispositivo messo in atto. Lo specchio, giocando con il “doppio” e l'immagine riflessa dell'osservatore, ci è servito per “accordare” la performance su di un livello non logico ma emozionale. Il cortocircuito tra riflesso e parole chiave hanno portato la gran parte delle persone a reagire, come ci aspettavamo, in maniera NON razionale. La mancanza di tempo per razionalizzare l’incontro con il proprio “doppio” e la contemporanea richiesta di scelta tra due aree di senso così nettamente distanti ha creato turbamento, angoscia, divertimento, gioco.
Spazi Docili è la risposta in chiave di progetto di arte pubblica ad una realtà sconcertante ed esemplare come quella di Firenze, indiscussa capitale della difficoltà italiana nel comprendere e gestire il contemporaneo e il relativo rapporto con il passato.
Il nome, ovviamente foucaultiano, postula l'esistenza di spazi 'docili' al Potere in cui l'incompetenza della classe politico-burocratico-amministrativa italiana prende forme addirittura tangibili, concrete.
Il progetto, ideato e curato da Christian Costa e Fabrizio Ajello, nasce durante il 2008 e in questi cinque anni ha prodotto indagini sul territorio, workshop, mostre, talk. Non ci interessa infatti la semplice produzione di “opere” da immettere nel mercato dell’arte quanto l’attivazione di processi partecipati in grado di creare un legame vivo ed entusiasmante tra pubblico e attività estetica.
Crowd-Behaviours-Patterns is a performance in the Cardiff’s public space commissioned by CAAPO (www.creativeassault.org) as part of Moving Sculpture In The Public Realm project. The aim of our action was to address the dense flow of people present in the centre of Cardiff and to force them to "choose" one side of a mirror with two opposing writings: "HAPPINESS" and "SAFETY", giving, therefore, more relevance to one of these two ideas.
We were more interested in the irrationality and inevitability of the dispositif put in place than in the rational choice of one of the two areas of meaning. The mirror, playing with the "double" and the reflected image of the observer, helped us to "tune" the performance on a not logical but emotional level. The interference between the mirror's reflection and the keywords led most of the people to react, as expected, in a NOT rational way. The lack of time to rationalize the contact with your own "double" and the simultaneous request to choose between two very different areas of meaning provoked perplexity, angst, fun, playfulness.
Spazi Docili [Docile Spaces] is the answer, in a form of a public art project, to the disconcerting and exemplary situation of Florence, undisputed capital of Italian difficulties in understanding and dealing with "the contemporary" and its relation with the past. The name, clearly after Michel Foucault, postulates the existence of spaces 'docile' to the Power in which the incompetence of the Italian political-bureaucratic-administrative class takes a touchable, concrete form. The project, conceived and curated by Christian Costa and Fabrizio Ajello, started in 2008. In these five years it produced field surveys and drifts/dérives, workshops, exhibitions, talks. As a matter of fact we are not interested simply in the production of “oeuvres” to put in the art market but rather in turning on participative and involving processes able to shape a living and exciting bond between public and artistic practices.
Anni di lotte e di denuncia contro l'aborto clandestino hanno permesso alle donne di acquisire il diritto all’interruzione della gravidanza ma quella piaga sociale è, ancora oggi, una delle principali cause di mortalità tra le partorienti.
Filippo Riniolo ha avuto il coraggio di affrontare artisticamente quest'argomento con un’opera potente e sintetica già dal titolo, “ Ferri”. Un tavolo verde e asettico, come quello di una sala operatoria, è apparecchiato con quattro ferri da calza visibilmente affilati. Oggetti di uso quotidiano che diventano pericolosi e minacciosi; oggetti che sono parte delle tradizioni trasmesse da donna a donna: strumenti di svago ma anche strumenti di violenza.
Una domesticità agghiacciante mette in luce l’esistenza di una subcultura sotterranea che si sviluppa a partire proprio dal luogo tradizionalmente riservato alla donna: la casa. E così qui ferri raccontano la violenza dell’aborto clandestino come pratica che non soltanto infierisce sul corpo, ma che costringe la donna alla tortura, a mettere in grave pericolo il suo equilibrio psicofisico e la sua dignità, pur di non subire le più gravi conseguenze sociali di un aborto riconosciuto.
“L’Arte è una forza che ha un fine” e per Filippo questo fine è dare voce alle storie invisibili nascoste dietro quei pesantissimi silenzi, consegnandole a una forma che le renda condivisibili, per attivare un meccanismo di responsabilità sociale.
Years of battles and of denouncing clandestine abortion have gained women the right to interrupt pregnancy, yet this social plague is still today one of the main causes of death amongst pregnant women. Filippo Rinioli has had the courage of facing in an artistic way this topic with a powerful and concise piece of work, starting from the title, “Ferri” (Tools). A green and aseptic table, like the one you can find in an operating room, is set with four sharp knitting needles. Tools of everyday life which become dangerous and menacing; objects which are part of the tradition passed on from woman to woman, tools for leisure which can become tools of violence: it was in fact precisely with these knitting needles that abortions were carried out by midwives. A chilling domestic scene, gives light to a subterranean subculture which develops starting from a place traditionally devoted to women: the household. And so, those tools tell the violent story of clandestine abortion as a practice that not only hammers the body, but that also forces women to undergo torture, by putting in danger their psychophysical balance and their dignity in order to avoid the more serious social consequences of a declared abortion. ‘Art is a force which has a purpose’ and for Filippo this purpose is to give voice to the invisible stories hidden behind heavy silence, giving them a sharable shape, therefore activating a mechanism of social responsibility.
Nel 2005 e nel 2006 nel carcere di Rebibbia a Roma sono stati realizzati due laboratori d'arte a cura della cooperativa Eva D. Toklas in collaborazione con l’Associazione A Roma insieme, che hanno visto l’artista Gea Casolaro incontrare i detenuti e le detenute per lavorare insieme con testi, disegni e fotografie a una possibile rappresentazione del “fuori” visto da dentro.
Documentati da due video, "Fuori da qui - Rebibbia femminile" e "Fuori da qui - Rebibbia maschile" realizzati con la regia di Silvia Di Domenico, gli incontri tra l'artista e i detenuti, avvenuti in tre settimane consecutive nel giardino del carcere, la così detta “aria verde”, dove solo alcuni detenuti possono recarsi, generalmente una volta al mese per incontrare i familiari, specialmente i bambini, sono stati scanditi dal ritmo delle possibilità: la possibilità di interpretare, la possibilità del pensiero di superare le barriere, la possibilità o meno di mettersi nei panni dell'altro.
E per ogni possibilità un unico strumento concreto: l'arte, che ha permesso di rompere le barriere della quotidianità e di far condividere pensieri molto intimi, attraversando il desiderio e l’assenza. Nel primo incontro i partecipanti hanno disegnato o scritto ciò che vedevano nel giardino; nel secondo hanno lavorato a coppia con la macchina fotografica per interpretare l'uno il racconto dell'altro e nel terzo Gea ha regalato ad ognuno di loro una fotografia, la sua interpretazione della risposta che le avevano dato su quale fosse la prima "immagine" che avevano in mente pensando a "fuori", e sulla quale hanno poi discusso.
Racconta Gea: cercare di pensare al “fuori”, da un luogo di reclusione può diventare un’operazione molto astratta, dopo 15, 20 anni di assenza. Quanto costerà un gelato? E come sarà diventata la strada di casa? E che sensazioni potrebbe dare abbracciare il nipotino di due anni che non si è mai visto? E conclude: Spero che il Beccaria lo insegnino ancora nelle scuole: prevenire è meglio che punire.
In 2005 and 2006 in the prison of Rebibbia in Rome were set up two art laboratories by the cooperative Eva D. Toklas in partnership with the Associazione A Roma insieme, which have seen the artist Gea Casolaro meet with male and female inmates to work together on texts, designs, and photographs for a possible representation of the “outside” seen from the inside. Documented by two videos, “Fuori da qui – Rebibbia femminile” (Out of here – Female Rebibbia) and “Fuori di qui – Rebibbia maschile (Out of here – Male Rebibbia) directed by Silvia Di Domenico, the meetings between the artists and the detainees have been held for three consecutive weeks in the garden of the prison, the so called “green area”, where only some of the inmates can go, usually once a month for the meeting with their family, especially with their children, and these meetings have followed the beat offered by possibility: the possibility of interpreting, the possibility of the thought of crossing the barrier, the possibility or not of putting oneself in the shoes of the other. And for every possibility there is only one concrete instrument: art, which has made it possible to break the barrier of the everyday life and share intimate thoughts, passing through desire and absence. In the first meeting the participants drew and wrote what they saw in the garden; in the second one they worked in couples with a camera interpreting each the story of the other; and in the third meeting Gea gave each a photograph as a gift, her interpretation of their answer to the question of which was the first “image” they had in their minds when thinking of the “outside” world, and on which they had debated later on. As Gea tells: trying to think to the “outside” from a place of detention can become a very abstract operation after 15, 20 years of absence. How much will an ice-cream cost? And have the streets at home changed? And what feelings might give to embrace a two year-old nephew we have never met before? And to conclude: I hope Beccaria is still taught in schools: to prevent is better than to punish.
Trasformare lo spazio della platea, in cui solitamente non si comunica e nel quale il pubblico è invitato al silenzio, in spazio di interscambio e comunicazione in cui rigenerarsi: è quello che accade con Blow Out-concerto per rabbia, una performance eseguita dal pubblico, guidato a sua volta dall’artista Tiziana Contino e dai suoni di Marta Coletti (violoncello e synth) e Sabina Caruso (chitarra elettrica).
Un lavoro di interazione audio-tattile e visivo pensato sotto forma di concerto, una particolare modalità di dialogo interattivo tra artista e pubblico, che in un crescendo di sensazioni mira ad azzerare le distanze e la diffidenza che ritroviamo quotidianamente nella nostra vita e nei rapporti con gli altri e in cui dei semplici palloncini gialli hanno il compito di custodire la rabbia che il pubblico è invitato a soffiarci dentro e a nominare con un pennarello nero, consegnandola così a nuova vita fuori da sé. Una volta gonfiati e scritti, i palloncini gialli vengono esplosi con un ritmo scandito dalla voce e dalle musiche degli artisti.
Di fronte all’assoluta e diffusa mancanza di tenerezza e di fiducia nella società contemporanea, alla paura radicata verso l’altro da sé, “lo sconosciuto" e all’impossibilità di comunicare che segna e amplifica le distanze, noi possiamo restare fermi, rassegnarci…
…o, a ritmo di violoncello, guidati da una moderna Medusa della mitologia greca vestita di latex nero, potremmo provare a soffiare tutta, ma proprio tutta, la nostra rabbia in quei palloncini gialli sui quali, poi, a pennarello nero, ne scriveremo il nome. E scoppiarli, ovviamente, uno dopo l’altro, al ritmo di musica.
Perché l’arte è anche questo, uno strumento capace di trasformare un impulso emotivo in un processo rigenerativo, in cui un sentimento travolgente come la rabbia si purifica e diventa musica, rabbia sonora che si libera e ci libera.
To transform the theatre stalls, where normally there is no communication and in which the audience is invited to be silent, in a space for interchange and communication where to regain one’s forces: this is what happens in “Blow-Out – concert for rage”, a performance made by the audience, supervised by the artist Tiziana Contino and by the music of Marta Coletti (cello and synth) and Sabina Caruso (electric guitar). It is a work of audio-tactile and visual interaction thought under form of a concert, a particular way of interactive dialogue between the artist and the audience, which in a crescendo of sensations has the purpose of nullifying the distances and mistrusts that we can find in the everyday life and in the relationship with the others and in which simple yellow balloons have the job of hedging in the rage that the audience is invited to blow into them, naming them with a black marker and handing this rage to a new life out of themselves. Once they are inflated and written onto, the yellow balloons are blown up with a rhythm given by the voice and music of the artists. Faced by the absolute and diffuse absence of tenderness and trust in contemporary society, the rooted fear towards the other, “the stranger” and the impossibility to communicate which marks and amplifies the distances, we can stand still, live with it….or, to the rhythm of a cello, guided by a modern black latex dressed Medusa of Greek mythological memory, we could try and blow into them thoroughly all our rage into those yellow balloons on which, then, we would write with a black marker its name. And blow them up, obviously, one after the other, to the rhythm of music. Because art is also this, a tool capable of transforming an emotional impulse in a regenerating process, in which such an overwhelming feeling like rage purifies itself and becomes music, resounding rage which frees itself and frees us.
Una residenza artistica come punto di partenza per la creazione di una microeconomia eco-sostenibile? Sì, l’Arte è anche questo.
Atla(s)now, il progetto di Angelo Bellobono che vi presentiamo, realizzato in collaborazione con Aniko Boehler (produttore) e Alessandro Facente (curatore) è un vero e proprio progetto di Arte Relazionale: una residenza artistica che ambisce a creare una comunità dove l’arte, insieme con altre discipline, è utilizzata come mezzo di progresso sociale ed economico.
A 60 km da Marrakech, nell’Atlas Valley, una località a forte vocazione eco-turistica circondata da montagne, gli artisti in residenza sono chiamati a realizzare progetti site-specific in cui la partecipazione della comunità locale assume un’importanza fondamentale, determinata dall’esclusivo utilizzo delle risorse e del lavoro locali.
Quelle che vi mostriamo sono le foto di un suggestivo workshop che Angelo ha realizzato con i bambini di quelle meravigliose montagne che baciano le nuvole e la terra e le cui rocce sono un elemento caratterizzante. Coinvolti dall’artista, che ha distribuito colori e pennelli a tutti i piccoli della comunità, i bambini hanno potuto liberamente esprimere i loro stati d’animo dipingendo su quelle stesse rocce che definiscono e conformano il loro ambiente naturale e sociale.
Angelo Bellobono è un artista che vive tra Roma e New York e il suo lavoro è improntato su un’arte che vuole indagare il sociale e la geopolitica.
Tra i suoi recenti progetti sociali c’è “Aria ritratta in tutte le lune”, azione allo Spazio Metropoliz, in cui l’artista ha ritratto gli abitanti di una vecchia fabbrica dismessa, Metropoliz per l’appunto, che occupa una vasta area nel quartiere di Tor Sapienza a Roma, in cui coabitano circa duecento persone provenienti da tutte le parti del mondo. Alcuni di questi volti sono stati ritratti su dei palloni utilizzati come metafora della luna, simbolo di un legame tra tutti gli esseri umani.
An art residence as a starting point for the creation of an ecologically sustainable microeconomics? Yes, Art is also this. Atla(s)now, Angelo Bellobono’s project that we are presenting, made with the partnership of Aniko Boehler (producer) and Alessandro Facente (editor) is a truly Relational Art project: an art residence that aims at the creation of a community where art, together with other subjects, is used as a tool for economic and social progress. At 60 km from Marrakesh, in the Atlas Valley, a place strongly based on eco-tourism surrounded by mountains, the resident artists are called upon to make site-specific projects within which the participation of the local community is of central importance, given the exclusive use of local resources and workers. What we are about to show are the photographs of a striking workshop that Angelo has made with the help of the kids coming from those incredible mountains which kiss the clouds and the earth and whose rocks are such a distinctive element of it all. Drawn into it by the artist, who distributed colours and paintbrushes to all the youngsters of the community, the kids were able to freely express their moods by painting on those same rocks that define and shape their natural and social environment. Angelo Bellobono is an artist living in Rome and New York and his work is based on art that wants to make inquiries about society and geopolitics. Amongst his recent social projects there is “Aria ritratta in tutte le lune” (Air portrayed in all moons), in action at the Spazio Metropoliz, where the artist has portrayed the inhabitants of an old disused factory, exactly Metropoliz, which occupies a vast area of the Tor Sapienza quarter in Rome, and in which there are approximately two hundred people living together, coming from all over the world. Some of these faces have been portrayed on footballs used as metaphors for the moon, this latter symbolizing the link between all human beings.
Daniel Silvo è un giovane artista spagnolo, la cui ricerca è improntata sull’indagine della società contemporanea e sul valore della memoria. Il lavoro che vogliamo presentarvi è un’operazione artistica genuina, fresca e provocatoria al tempo stesso, in questo momento di profonda crisi economica che il mondo intero sta vivendo. Un lavoro che unisce la purezza dell'antica tecnica di piegare la carta, l'origami, e l’artificiosità del biglietto cartaceo stampato che usiamo come strumento di pagamento, la banconota. La crisi dell’economia mondiale sembra averci abituati all’idea che nessuno abbia le capacità per ristabilire gli equilibri in maniera giusta ed equa.
Daniel una soluzione per uscire dalla crisi ce l’ha: è l’arte, che può aggiungere un surplus sentimentale, emozionale, a delle semplici banconote.
“Como Doblar Tu Dinero” è un’opera realizzata tra il 2009 e il 2010 ed è stata presentata durante un workshop a la Residencia de Estudiantes a Madrid. Il titolo dell’opera già ci invita alla sua lettura (come piegare i vostri soldi / come raddoppiare i vostri soldi). L’artista ha invitato i partecipanti al workshop a giocare con il denaro, facendo diverse figure e dando loro quel valore aggiunto derivato dal lavoro manuale per creare l’origami. Lo scopo dell’opera è di generare dei soldi più “umani”, più intimi, eliminando l’alienazione insita nella loro natura. Ogni piega dell’origami rende consapevoli di ciò che si ha in mano, porta a riflettere sul materiale e proprio attraverso la sua manipolazione permette di conoscerne il vero valore, il suo naturale utilizzo, e la necessità che di esso abbiamo.
Per Daniel tutti dovrebbero pagare con dollari che hanno un valore aggiunto, quello emozionale. Immaginate di andare al bar, prendere un caffè e pagare in questo modo. Immaginate se tutti potessero aggiungere un valore emotivo alla grigia economia…
Daniel Silvo is a young Spanish artist, whose research is based on the inquiry of contemporary society and the value of memory. The work we want to present is a genuine, fresh, and the same time provocative artistic operation, in this period of profound economic crisis which the whole world is going through. It’s a work that merges the pureness of the ancient technique of folding paper, the origami, and the artificial printed paper ticket that we use as tool for payments, the banknote. Because of the world economic crisis it seems we got used to the idea that no one has the capacity to re-establish equal and just balances. Daniel has found a solution to exit the crisis: it’s art, which can add a sentimental and emotional surplus to a simple banknote. “Como Doblar Tu Dinero” is an art work made between 2009 and 2010 and it was presented during a workshop at la Residencia de Estudiantes in Madrid. The title of the work already hints about how to read it (how to fold your money, how to double your money). The artist invited the participants of the workshop to play with money, by making different shapes and giving it that added value which comes from the manual labour of the origami. The purpose of the work was to render money more “human”, more intimate, eliminating the alienation which is inherent to their own nature. Each fold in the origami makes you conscious of what you have in your hands, it makes you think about the material and thanks to its manipulation you can better understand its real value, its natural use, and the necessity we have of it. According to Daniel everyone should pay with dollars which have an added value, the emotional value. Imagine going to a café, taking a coffee and paying in this way. Imagine if everyone could add an emotional value to the dull economy…
“IO SOTTRAGGO” è un discorso-percorso nato con lo scopo di trasformare il veleno in medicina: un progetto artistico di Giovanna Lacedra presentato nel luglio 2011 negli spazi della galleria Famiglia Margini di Milano e diventato poi itinerante, con oramai già sei tappe realizzate. Una performance autobiografica, che nello spazio creativo-distruttivo-creativo-rigenerativo di venti minuti, mette e rimette in scena l’ingranaggio perpetuante dei rituali ossessivi anoressico-bulimici.
Ho sentito l’esigenza di trasformare in Arte la patologia che fa parte della mia vita da quindici anni – racconta Giovanna – e fare in modo che il corpo, da anni ostaggio di rituali ossessivi, da anni contenitore di vuoti affettivi, di assenze e di mancanze, da anni vittima e carnefice di se stesso, diventi racconto espressivo e creativo di una tra le più paradossali malattie: il disturbo anoressico-bulimico.Mangiare niente come mangiare tutto. Svuotarsi come ingombrarsi. Mettere dentro il mondo intero, o il mondo intero rifiutare. Sbranare pulsionalmente l’amore che non si ha. O scegliere stoicamente la rinuncia.
Con IO SOTTRAGGO i disturbi dell’alimentazione diventano protagonisti di un evento artistico di grande impatto, un modo per svelare ogni crudezza e non nascondere più nulla attraverso un atto performativo, una sequenza di foto-reportage che hanno catturato dettagli di un corpo in spigoloso dissolvimento, e intime pagine di diari scritti nei mesi più deliranti della patologia. E così’Arte si trasforma in una richiesta di aiuto ad amare se stessi e gli altri, per sensibilizzare le coscienze nei confronti di un disagio troppe volte sottovalutato o, peggio ancora, tenuto nascosto.
“IO SOTTRAGGO”(I subtruct) is a discourse-course born with the purpose of transforming the poison in medicine: an art project of Giovanna Lacedra, first presented in July 2011 in the rooms of the Famiglia Margini gallery and thereafter itinerant, which already made six stops. An autobiographic performance, which in the creative-destructive-creative-regenerative space of twenty minutes, puts on scene over and over again the perpetuated mechanisms of the obsessive anorexic-bulimic rituals. ‘I sensed the need to transform into Art the pathology that has been part of my life in the past fifteen years’ – says Giovanna – in order to transform the body, for so long hostage of obsessive rituals, for so long empty box of emotional blanks, of absences and lacks, for so long victim and torturer of itself, into an expressive and creative account of one of the most paradoxical diseases ever: the anorexic-bulimic disorder. Eat nothing as to eat everything. Emptying oneself out as filling oneself up. Putting all the world inside, or turning it down. Devouring with urge the love that one doesn’t have. Or choosing, in a stoic way, to give up. With IO SOTTRAGGO the eating disorders become protagonists of an art show of great impact, a way of revealing every crude aspect of it and of avoiding its concealment through the performance act, a sequence of reportage-photos which have captured the details of a body in sharp fade-out, and intimate pages of diaries written in the most frantic months of the pathology. In this way Art becomes a call for help in order to love oneself and the others, to raise awareness about a malaise for too long underrated or, even worse, kept hidden.
Quadratonomade è un progetto di centoxcentoperiferia che ha l’intenzione di realizzare una ricucitura culturale tra il centro e la periferia. Durante i suoi recenti eventi sono stati proiettati due video dell’artista americana Lisa Wade, realizzati dopo un workshop con i ragazzi del campo nomadi di via di Salone di Roma, in occasione di Quadratonomade centuri campo nomadi. Il progetto dei video in stop-motion dell’artista, Locomocavallo e LocoMI Cavallo, trae ispirazione dalle prime sperimentazioni in ambito cinematografico condotte da Muybridge nella fine dell’ 800, in merito alla scomposizione del moto di un cavallo in corsa.
"Locomocavallo" consiste in una video-animazione realizzata con la sequenza dei disegni dei cavalli prodotti dai ragazzi, mentre "LocoMI Cavallo" racconta la corsa del cavallo attraverso i movimenti dei ragazzi stessi. Il cavallo per i nomadi è un simbolo di forza, potenza, ma soprattutto di libertà e la musica rom, scelta come colonna sonora, arricchisce notevolmente i video sottolineando il legame con la loro cultura.
Lisa ha portato l’arte lì dove anche frequentare la scuola non è un diritto scontato. I disegni del progetto comunicano la forza creativa comune a tutti i bambini del mondo, senza alcuna distinzione socio-culturale. Sicuramente per loro questa è stata un’esperienza significativa che ha dato modo ai bambini di avvicinarsi all’arte come ad un’ amica con cui giocare e divertirsi. Vedere i piccoli protagonisti del video durante la mostra Quadratonomade al Palazzo delle Esposizioni è stato molto emozionante.
L’arte può amalgamare perfettamente tutte le culture mondiali.
“Quadratonomade” is a project of “Centoxcentoperiferia” aiming at mending back together the cultures coming from the city-centre and the ones from the suburbs. During her recent performances, two videos from the American artist Lisa Wade were screened after a workshop with the kids from the nomadic camp of via di Salone in Rome, during the Quadratonomade century nomadic camp. The artist’s project of the stop-motion videos, Locomocavallo and LocoMI Cavallo, is inspired by the first cinematographic experiments of Muybridge in the late 19th century, showing the breakdown in images of a horse’s locomotion. “Locomocavallo” consists in a video-animation obtained by the sequences of the horse’s drawings made by the kids, while “LocoMICavallo” narrates the race of the horse through the movements of the kids themselves. The horse is for the Nomads a symbol of strength, power, and over all, of liberty and the Roma music chosen as soundtrack notably enriches the video, highlighting the bond with their culture. Lisa brought art to a place where also going to school is not a right given for granted. The drawings of the project convey the creative strength which is common to all children over the world, without any social or cultural distinction. No doubt, this experience has been very significant for the kids, it has given them the opportunity to approach art as a friend with whom to play and have fun with. Watching the little protagonists of the video during the “Quadronomade” exhibition at Palazzo delle Esposizioni was quite moving. Art is capable of merging perfectly all cultures worldwide.
Nel 2010 all’interno della cooperativa Primo Sole si è costituito un gruppo creativo officina TOM – primo sole, straordinaria esperienza che ha messo in relazione arte e disagio psichico di un gruppo di creativi utenti dei Centri Diurni di Salute Mentale di Pomezia, Anzio, Laurentina e Velletri, “accompagnati” dall’artista Pietro Mancini. Ed è proprio di Pietro Mancini che vogliamo parlarvi in queste due settimane, un artista le cui produzioni sono spiazzanti e sensibili.
Tra i materiali troviamo oggetti di scarto, lastre da stampa tipografica, vecchie sedie e rami di potatura. Grazie a persone affette da disagi psichici, con la direzione artistica di Pietro Mancini, ci viene offerta la visione di un nuovo mondo, creato da personalità che attingono ad un pensiero non conforme a modelli sociali considerati “normali” nella società globalizzata. Un pensiero senza freni che è in grado di andare oltre il sistema e che riesce a svelare nuovi meccanismi emozionali. Tale pratica artistica, allo stesso tempo, si trasforma in Arte Terapia per coloro che la realizzano.
Il risultato finale: un “luogo” in cui è possibile respirare un’aria lontana dalle logiche comuni, stimolante mentalmente, in cui lo scambio, l’impegno e le intuizioni danno vita a opere che portano con se mille storie da divulgare.
In 2010 the creative group Officina TOM – Primo Sole was established within the cooperative firm Primo Sole, this being an extraordinary experiment which has related art and mental disorder of a group of creative people attending the Daytime Centers for Mental Health of Pomezia, Anzio, Laurentina and Velletri, “accompanied” by the artist Pietro Mancino. In these two weeks it is precisely of Pietro Mancini that we want to talk about, an artist whose works catch you wrong-footed as well as being sensitive. Amongst all the materials used we can find waste materials, plates for typographic printing, old chairs and trimmed branches. Thanks to people suffering from mental disorders, artistically supervised by Pietro Mancini, we are given a vision of a new world, created by personalities which draw upon nonstandard models of thinking, therefore non compliant with the “normal” social models of the globalised world. It’s a way of thinking which has no constraints and which is able to go beyond the system, capable of revealing new emotional mechanisms. This artistic experience becomes at the same time Therapy Art for those who practice it. The final result is: a “place” where it is possible to breath a different air, distant from the ordinary logic, mentally challenging, and in which the exchange, the commitment and the insight give birth to pieces of art that bring along thousands of stories to be disclosed.
Il primo artista che vogliamo mostrarvi è Paolo Angelosanto. A giugno del 2011 ha presentato a Viterbo il suo meraviglioso lavoro Italian Flag: lavori che sono un ottimo esempio di come l’arte possa vivere in rapporto con tutto il mondo circostante, entrare nella vita, nelle scelte politiche, sociali e culturali. Un progetto artistico può costituire uno strumento ai fini della lettura del presente, utile a saper prendere delle posizioni e dire la propria in questo mondo che sempre più è culla di relativismi distruttivi.
Paolo con questi lavori ci propone una nuova iconografia della bandiera italiana: non gli basta lavorare unicamente con il tessuto tricolore, ma sente la necessità di scrivervi i suoi pensieri. Pensieri sentiti, veri, tangibili, condivisibili, a volta ironici, scritti con un carattere elegante e capaci di invitarci a nuove riflessioni. Il suo scopo è quello di ridare un senso all’idea di nazione, quell'idea che oggi sembra smarrita. Traslare il privato nel pubblico e rendersi partecipe dell’identità di un paese. Prenderne parte attiva.
Per non continuare a sentirsi parte di un’Italia che ha un popolo di individui singoli e di singoli eventi dotati di poteri provvisori, Il pensiero fondamentale, in ogni situazione, come afferma esplicitamente Angelosanto è: I HAVE AN IDEA.
The first artist we want to present is Paolo Angelosanto.
In June 2011 he showed his wonderful work Italian Flag: these works are an excellent example of how art can exist in relation with the surrounding world, enter in one’s life, in one’s political, social and cultural choices.
An art project can be a helpful instrument for the understanding of the present, as well as useful in order to take a stand and express one’s opinion in a world which increasingly fosters destructive relativisms.
With these art works Paolo is suggesting a new iconography of the Italian flag: working only with the three coloured fabric is not enough for him, he senses the urge of writing his thoughts on it. Sincere, real, tangible and shared thoughts, sometimes ironic, written in elegant characters capable of leading us to brand new thoughts. His aim is to bring back to life the idea of nation, which nowadays we seem to have lost. Transferring private into public and taking part in the identity of a country. Taking an active stand in it.
In order to stop being part of an Italian country made of single individuals and of single events which have only a provisional power. The main idea, anyhow, as explicitly claimed by Angelosanto, is: I HAVE AN IDEA.